Guy Hendrix Dyas recibió su Licenciatura en Artes de la Chelsea School of Art y una Maestría en The Royal College of Art. Guy comenzó su carrera en Tokio trabajando como diseñador industrial para SONY. Durante ese tiempo, Guy se unió al equipo de Industrial Light and Magic en California, aquí es donde comenzó su carrera cinematográfica como director de arte de efectos visuales en la película Twister. Guy desarrolló sus habilidades como artista conceptual durante muchos años antes de su primera asignación de diseño de producción. X2: X-Men United para Bryan Singer. Guy también ha trabajado en películas como Superman Returns, Elizabeth, The Brother's Grimm, Indian Jones y El reino de la calavera de cristal, y por supuesto Pasajeros. Guy está trabajando actualmente en El cascanueces. 

Guy Hendreix Dyas Diseñador de producción - Passengers [2016]

iHorror: ¿Puede hablarles a nuestros lectores sobre el diseño de producción?

Guy Hendrix Dyas: Esta nueva generación de cineastas tiene un equilibrio muy saludable en cuanto a lo que debería ser CGI y lo que debería ser práctico y dos cosas interesantes para observar como diseñador de producción es, en primer lugar, la mejora de las actuaciones de los artistas. Cuando los colocas en un entorno en el que realmente están allí, ya sea en una nave espacial o en un bosque espeluznante, su rendimiento mejora, realmente lo hace. Lo sé, he trabajado en ambos tipos de películas. En segundo lugar, hay más realismo en la iluminación sin importar lo que diga la gente. Si la pantalla verde está ahí, va a contaminar los colores del set, y todo eso tendrá que arreglarse. Cuando usa fondos tan anticuados como suena, si necesita un movimiento, por ejemplo, y necesita una aldea, y necesita ver chimeneas o una cascada, ese es el momento de traer una pantalla verde. Pero cuando tienes algo estacionario que no se mueve, es el momento de usar un respaldo. Entonces, en última instancia, también ahorrará dinero.

Yo: es importante encontrar ese equilibrio. Encuentro que muchas películas están sobrecargadas con CGI, están sucediendo demasiadas cosas. Como dijiste, tener el equilibrio entre los dos mejora enormemente la calidad de la película.
GHD: Lo hace, hay algo más que sucede también que es la disciplina de los cineastas. Cuando se le permite cargar todo en la publicación y decir, "sí, lo trataremos más tarde", la narración se vuelve un poco más descuidada porque no tiene que resolver las cosas, lo está empujando hacia el futuro. Pero si te ves obligado a resolverlo, está el set, hay de todo, no tienes excusa, tienes que capturar la escena, tienes que capturar la actuación. Creo que esa fue en gran medida la filosofía de Morton con PASSENGERS: intentemos capturar estas emociones de las personas que se enamoran en el espacio, que es lo que hizo que ese proyecto fuera tan especial. No había armas, no había monstruos, era tan atractivo en muchos sentidos que me recordaba a las películas clásicas de ciencia ficción. Mucho para mí, se sintió como la película Silent Running de los 70. Te acuerdas Silent Running?

Yo: No, nunca lo he visto.

GHD: {Risas} Solían jugarlo en reposiciones cuando yo era un niño todo el tiempo. Una película fantástica sobre un hombre en el espacio que intenta salvar el bosque perdido de la Tierra. Muy de actualidad. Un poco tonto para mirar de noche, pero aún así la idea del hilo de esa idea es tan inteligente, creo que PASAJEROS pertenece a la misma familia de guiones inteligentes y reflexivos. Cuando estaba viendo el tráiler, me di cuenta de inmediato de que estaba muy bien ensamblado, realmente fluía. Muchas veces veo un tráiler de ciencia ficción y hay tantas cosas que pueden volverse muy confusas. Los decorados son increíbles y atraerán a mucha gente. No voy a mentirte. Estoy bajo mucha presión y una gran preocupación en este momento. Para el diseño del escenario, traté de romper algunas reglas en términos de nuestras expectativas. Trabajé como artista conceptual en muchas películas de ciencia ficción, y esta es la primera vez como diseñador de producción que tengo la oportunidad de estar a cargo de eso. Para mí, quería evitar las trampas de crear una estética y buscar la nave espacial que corría por todas partes. Por lo general, lo que sucede con las naves espaciales y tiene sentido cuando lo piensas. Se te ocurre una mirada, el color de las paredes, el color del piso y esos colores tienden a extenderse por toda la nave espacial porque lo harían. Pero en nuestro caso, tenemos una nave espacial que básicamente está transformando pasajeros a grandes distancias. Una vez que llegan a su destino, hay un período de rehabilitación para ir en naves de desembarco al planeta. Son cuatro meses de infierno al por menor; sin embargo, quieres mirarlo, y para mí, ese fue nuestro campo de juego para jugar con el color de la película y permitirnos cambiar el estado de ánimo. Estoy seguro de que han notado que hay un bar, un bar Art Deco justo en el medio de la nave espacial. Los fanáticos del cine como yo vamos a notar algunos paralelos interesantes con Stanley Kubrick El resplandor. Mucho Morton y yo estábamos hablando en los primeros días de cómo capturamos la relación entre el personaje de Chris, Jim y el Barman, ¿cómo podemos crear ese vínculo? Tenía características muy similares al personaje de Jack Nicolson en El resplandor y nos encanta cómo esa película ayudó a proyectar la soledad también, desde el punto de vista de Jack. Entonces, eso fue una gran influencia para nosotros en lo que respecta al bar. Simplemente tomé la esencia de esa noción y aumenté la decoración, aumenté la riqueza y la calidez del decorado. En un mundo de aislamiento y soledad, necesitábamos una baliza, necesitábamos un lugar para los dos pasajeros al que Jennifer y Chris quisieran ir. Así que ahí está este joyero cálido. Existe este espacio muy seductor, con este robot muy carismático que les sirve, el único otro humano que pueden experimentar a pesar de que es sintético, por lo que necesitamos un lugar que sienta que es divertido para la gente ir y, al mismo tiempo, sofisticado. Para mí, fue una idea deliciosa poner algo de la década de 1920 en una nave espacial que estaba tan lejos en el futuro, y tomamos ese concepto y lo seguimos. Queríamos que tuvieran una comida romántica. Demonios, ¿por qué no hacer un restaurante francés del siglo XVIII con enormes columnas de cinco metros y una ventana clásica que da al espacio? Entonces, estás sentado allí con tu amado, cenando a la luz de las velas y el Universo gira afuera, y esa es una idea alucinante. Sentimos que nunca tendríamos otra oportunidad de hacer esto, por eso lo seguimos.
Yo: ¿Qué pasa con la piscina en la película?

GHD: Buscamos durante meses y meses una piscina real en Atlanta donde filmamos, y al final, apretaron el gatillo en el último minuto que excavamos una piscina en su nuevo y agradable estacionamiento en Pine Wood. [Risas} No estaban muy contentos con eso, pero les encantó el set cuando terminamos con él. Así que durante seis semanas cavamos un hoyo, lo revestimos y producimos esta piscina de tamaño olímpico con esta enorme ventana abovedada, y fue un momento hermoso. Ese es realmente el lugar de refugio del personaje de Aurora Jennifer Lawrence. Realmente estábamos trabajando con estos profundos blues que eran realmente un símbolo de limpieza. Era un lugar donde alguien podía ir y esconderse, alguien en su situación.

Yo: Realmente creo que lograste lo que te propusiste lograr con la escena.

GHD: Gracias

Yo: Fue hermoso y saber ahora que en realidad fue construido y no CGI es bastante sorprendente.

GHD: El set que hará que la gente no crea que fue construido solo porque es tan extraño es algo que se llama observación. Es un gran espacio con estas nervaduras muy dinámicas que van dando vueltas. Están tan bellamente hechos de madera, cuidadosamente lijados, se parecen a estas aleaciones futuristas, pero en la película, pueden parecer como si estuvieran hechos en la computadora. \

Yo: ¡Muchas gracias, Guy!

Estén atentos para una revisión de la película y más entrevistas para Sony. PASAJEROS en las próximas semanas!

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